Художники

12+
Сотни шедевров живописи собраны в музеях. Люди приходят в музейные залы, подолгу стоят перед любимыми полотнами. Шедевры, как магнит, притягивают к себе, хочется увидеть их снова и снова. Как же они создавались? Какими тайнами окутаны жизни их авторов  величайших художников всех времён?  Открой для себя и ты этот удивительный мир блестящей плеяды живописцев.
Ты узнаешь, сколько труда, вдохновения и таланта требуется, чтобы создать подлинно великое произведение искусства.
Художники по-своему видят мир. Чем талантливее мастер, тем ярче созданная им картина или рисунок. Мы будто смотрим на мир его глазами. И потом, встретив нечто похожее в жизни, восклицаем: «Море, как у Айвазовского!», «Лес, как у Шишкина!»
Рассматривая картины, мы лучше понимаем время, в которое жили художники, их создавшие. В картинах Василия Перова, Ивана Крамского, Карла Брюллова, Александра Иванова — печаль и радость, доброта и сочувствие. 
Возможно, глазами великих живописцев посмотришь на мир и ты.
Произведения художников учат нас видеть красоту пейзажа. Но не только. Живописцы, работающие в историческом жанре, рассказывают о прошлом Родины. Художники-баталисты показывают эпизоды величайших сражений. Портретисты передают внешний облик и характеры своих современников, красоту их души.
Кто нарисовал медведей на самой известной картине Шишкина «Утро в сосновом лесу»? Почему часы Дали растаяли? Что обнаружили учёные, исследовавшие «Джоконду» Леонардо да Винчи? Почему Сезанн рисовал яблоки? Какую награду так и не смог преподнести великому Рафаэлю папа римский? Почему чёрный квадрат совсем не чёрный? Кого называли «человек с абсолютным цветовым зрением»? Что напугало Репина в мастерской Айвазовского? Почему Мона Лиза улыбается? 
Тебя ждут рассказы о знаменитых картинах и занимательные, а порой забавные истории из жизни художников.
Любопытно? Ну что ж, начинай читать – и ты всё узнаешь!


Цветущая природа на картинах  Жозефины Гранди

Жозефина Гранди (Jo Grundy) – английская художница, рисующая в оригинальной технике по текстилю. Джо родилась и выросла на ферме в Западном Беркшире в Англии. Она всегда была творческим человеком, получив образование в области искусства. Получив специальность графического дизайнера, она 14 лет проработала в этой области.  В настоящее время художница работает в смешанных стилях, совсем недавно придумала свой метод использования акриловой краски, чтобы создавать стилизованные сцены о смене времён года в сельской местности Британии. 



Старинные маленькие коттеджи среди холмов, дикие животные, цветы и птицы – всё это нашло отражение в её очаровательных картинах. Её рисунки немного детские и наивные, но очень добрые и милые. В своём творчестве художница использует всё: от бумаги и клея до бисера и акрила. 
Работы Жозефины продаются и находятся в частных коллекциях по всему миру.

Приятного чтения!



Искусство творить и любить

Филип и Эрин Стед – американские художники-иллюстраторы, которые познакомились и полюбили друг друга благодаря общему увлечению искусством. Я помню, как тронула меня эта история, когда я открыла для себя творчество этой пары в книге «Дядя Амос не идёт на работу». Работы Эрин и Филипа трогательны и нежны сами по себе, но в моих глазах история их любви придаёт рисункам какое-то особенное качество, словно ласковый солнечный лучик, делающий всё ярче. Я очень рада, что их книги продолжают выходить на русском языке, и новое доброе чудо называется «Медведь хочет рассказать историю». 

«Уже почти наступила зима, и медведю хотелось спать». Это первая и последняя фраза в книге, замыкающая историю в кольцо и манящая читателя вновь открыть первую страницу, не откладывая. Очень большой и невероятно милый медведь хочет рассказать какую-то историю, поделиться ею с кем-нибудь до того, как погрузится в зимнюю спячку. Но найти слушателя не так-то просто. Все заняты подготовкой к зиме: мышка ещё не собрала запас семян, утке пора улетать на теплый юг, лягушке срочно нужно найти убежище от наступающих морозов. Думаешь, медведь сердится, что никто не хочет его послушать? Вовсе нет. Он даже не убегает сразу же, не теряя времени, искать нового собеседника. Добрый медведь помогает всем как следует подготовиться к зиме. Помощь друзьям важнее, а терпение, которое проявляет косолапый мишка – очень завидное качество, нужное каждому. 
Так и не найдя возможности рассказать свою таинственную историю, медведь засыпает. Весной, разбуженный тёплым солнцем и запахом новой зелени, медведь первым делом вспоминает о незаконченном деле: «Он должен рассказать свою историю!» Ведь теперь-то найдутся слушатели! Ах, если бы всё было так просто! Пусть сами герои этой забавной книжки расскажут тебе о том, что же было дальше. А я скажу лишь, что терпение всегда вознаграждается, а дружеское участие находит отклик в сердцах. 
Я даже не знаю, как словами, а не восторженным писком передать всю степень своего умиления от медведя на рисунках Эрин Стед. Неуклюжий, добродушный, заботливый, задумчивый, радостный, невыразимо трогательный в те моменты, когда помогает мышке или осторожно укрывает лягушку, этот большой мохнатый зверь меня просто очаровал.




Приятного чтения!



Художники-передвижники








Казимир Малевич – это не только «Чёрный квадрат»

Малевич нарисовал не только квадрат, а ещё много разных цветных фигур. И не только фигур.
Когда смотрите на картины с фигурами Малевича, возникает вопрос: «зачем он это нарисовал?» Кстати, на вопрос «зачем» Малевич отвечает в своих философских трудах.
Если сказать проще и короче – это был протест. Творчество, как протест. Попытка создать что-то абсолютно новое. И тут не поспоришь – Малевичу удалось удивить и шокировать. 
«Чёрный квадрат» был создан сто лет назад, но он до сих пор не даёт людям покоя, и многие считают своим долгом свысока бросить «и я так могу». И вы так можете, и Малевич смог. Малевич был первым, кто додумался до такого – и поэтому стал популярным. 
Малевич смог придумать новое направление. Это направление живописи называется «супрематизм». От слова «supremus», которое в переводе означает «самый высокий». Сначала «высоким» Малевич называл цвет. Ведь цвет – это главное в живописи. А потом, с приходом популярности, художник уже называл «высшим» свой стиль .
Смысл картин Малевича в том, что художник придумывает то, чего никогда не было и не будет. Этим он будоражит публику. Публике же нравится обсуждать, осуждать или наоборот – восхищаться. Вот поэтому к Малевичу пришла популярность, а споры о его творчестве не утихают до сих пор. Но Малевич – это не только супрематизм. Все художники, прежде чем перейти к таким экспериментам – сначала выучили академическую живопись. Ту, которая по правилам, к которой мы привыкли. Малевич – не исключение. Он рисовал и пейзажи, и портреты, занимался фресковой живописью. 



Приятного чтения!

Цветастое счастье Фиби Уал
американская художница, выпускница школы дизайна в Род-Айленде по отделению иллюстрации


Фиби живёт в одном из самых зелёных городов США – Портленде, расположенном у слияния рек Вилламетт и Колумбия. Её творчество так же разнообразно и многопланово, как и окружающая природа. Книжные и журнальные иллюстрации, картины и паттерны для тканей, открытки и платья, пироги и цветы, фотография и анимация – она попробовала себя во всех этих областях.
Её работы – как бабушкин пирог с вареньем, испечённый в уютном домике в ожидании семейного ужина. Кусочек за кусочком, цветастый, ароматный и очень вкусный, он дарит то самое ощущение простого счастья  незатейливого и доступного каждому из нас.

Список источников:

Приятного чтения!

Время Тиссо

(1836-1902)
Оказывается, у художников, как у эстрадных звёзд, есть и фанаты, и даже фан-клубы. Я убедилась в этом, когда случайно попала на интернет-переписку такого фан-клуба Джеймса Тиссо. Кто-то из участников переписки попросил помощи в оформлении спектакля одного из театров. Практически все ответы и советы содержали рекомендацию обратиться к произведениям Тиссо, потому что лучше и подробнее него никто не «написал своё время» – вторую половину 19 века. Странно, что в Большом энциклопедическом словаре упоминания об этом художнике нет!
Жак Жозеф Тиссо родился во французском городе Нант, в семье торговца. В двадцатилетнем возрасте он приехал в Париж с единственным желанием: стать художником. И стал им.
Героями полотен Тиссо чаще всего становились модные молодые дамы, дети. Они получались такими очаровательными, обаятельными и естественными, что художник невероятно быстро добился успеха и признания широкой публики.


А потом наступил 1871 год. Тиссо был обвинён в участии в бурных революционных событиях Парижской коммуны, и ему пришлось бежать из Франции. Он укрылся в Лондоне и прожил там до 1882 года. По-прежнему много работал и добился такого же шумного успеха, как на родине. Уже в 1873 году в лондонской Королевской Академии Тиссо выставил несколько больших полотен. Публика была в восторге! А вот серьёзные критики назвали эти картины «новыми носителями вульгарного богатства». Но, несмотря на такую злую и высокомерную критику, за картинами Тиссо выстроилась очередь из коллекционеров. «Смешно, что самый большой художник Викторианской Англии не англичанин! – писали газеты. – Никто не может сравниться с ним в точности, элегантности и остроумии!»
После смерти жены Катлин Ньютон, которая много лет была его главной моделью, Тиссо решил вернуться во Францию. В 1888 году художник получил заказ на большую религиозную картину. Чтобы уловить атмосферу будущей картины, Тиссо стал часто бывать в церкви. Его перестал интересовать окружающий мир, его суета и проблемы. Тиссо замкнулся, перестал общаться с людьми. Теперь главной темой его творчества стала Библия. Коллекцию акварелей, выставленную в Салоне Марсова поля, критики назвали «революцией в религиозном искусстве». В наши дни почти все его библейские акварели принадлежат Бруклинскому музею искусств.
Полотна Тиссо разбросаны по всему миру: их можно найти и в музейных коллекциях, и в частных собраниях. Теперь они нравятся всем: и зрителям, и критикам, и коллекционерам. Так что вступай в ряды фан-клуба Тиссо!


Список источников:
По материалам журнала «Эскиз»

Приятного чтения!

Густав Климт

(1862−1918)
австрийский художник, один из основоположников европейского модерна

Густав Климт в возрасте 25 лет.
Легко поверить, что художник разбил
немало девичьих сердец

Можно с уверенностью сказать, что Густав Климт прожил счастливую жизнь. Он с детства занимался любимым делом и пережил стремительный взлёт популярности ещё до того, как ему исполнилось 20. Он никогда не нуждался в деньгах, что позволяло ему быть разборчивым в выборе заказов. Наверняка этот баловень судьбы не удивился бы, узнав, что его картины сейчас считаются признанными шедеврами и продаются за астрономические суммы.
За оформление венского театра и музея Климт в возрасте 26 лет получил императорскую награду. Вскоре после этого художник возглавил бунт молодых австрийских художников против рамок и ограничений академической живописи, основав объединение Венский сецессион. Несмотря на язвительные комментарии и насмешки критиков, Климт до самой смерти оставался любимцем публики, которая охотно раскупала его картины.
Самыми знаменитыми и дорогими работами мастера стали  написанные с использованием настоящего сусального золота.


Работы «Золотого периода» («Поцелуй», «Портрет Адели Блох-Бауэр», «Бехтовеновский фриз», «Древо жизни»)  принесли художнику наибольшую известность, позволили ему выработать и отточить собственный неподражаемый стиль и сделали Климта национальным достоянием Австрии.


Одним  из любимых жанров Климта были пейзажи. Писал он их в основном летом во время отдыха на озере Аттерзе. Как и большинство своих картин, Густав Климт писал их на квадратных холстах, считая, что такая форма позволяет бесконечно расширять пространство во всех направлениях. В последние годы художник почти полностью переключился на пейзажи.



Список источников:


Приятного чтения!


Разыскивается Бэнкси – миллионер из лондонских трущоб

Ещё никогда раньше я не рассказывала тебе о художнике, которого никто не знает! То есть знают, что живёт такой удивительный художник, но кто он, как выглядит, каковы детали его биографии – точно никому не известно. Известен только его псевдоним – Бэнкси. А между тем он мегапопулярен! Взять у него интервью – заветная мечта многих журналистов. По крупицам собирают они информацию о человеке-невидимке, чьей визитной карточкой стала анонимность.
Предполагают, что зовут его Роберт Бэнкс. Что родился он в 1974 году в Бристоле. Его фотографий (подлинных) нигде не найти. Все, кто лично знаком с Бэнкси, хранят молчание. И это при том, что Бэнкси – один из самых популярных на сегодняшний день художников-граффити в мире, его работы стоят огромных денег.
Бэнкси живёт и работает в Лондоне. Весьма оригинально живёт, скрываясь по разным мастерским, и весьма оригинально работает, крадясь ночами по лондонским улицам и прячась от полиции. Приходится прятаться: ведь то, чем занимается Бэнкси,  дело незаконное и наказуемое. С точки зрения городских властей Бэнкси просто городской хулиган, который портит своими картинками стены домов, окна, гаражи, вагоны метро… А если учесть, что лондонцы готовы выламывать куски из стен, чтобы завладеть произведением Бэнкси, то становится понятно, почему этот осторожный молодой человек так «зашифровался».
Бэнкси увлёкся граффити в конце 90-х годов. Рисовать на улице ему было не просто интересно – это творчество превратилось для него в настоящий спорт. Приходилось быстро бегать от полиции, когда стражи порядка обнаруживали мастера за работой. А если учесть, что многие его работы располагаются на приличной высоте и имеют огромные размеры, то Бэнкси смело можно назвать художником-экстремалом. Наверное, когда художник бегать по Лондону устал, то изобрёл новый способ быстрой работы. Он заранее в мастерской изготавливает трафареты и по ним мгновенно наносит рисунок с помощью цветных аэрозолей. Работа занимает несколько минут, а эффект огромный! У жителей Лондона вот уже на протяжении многих лет есть оригинальное занятие: каждое утро, отправляясь на работу, они ищут глазами, не появилось ли на их улице новое произведение Бэнкси. Кстати, спутать его работы с другими граффити невозможно, настолько они оригинальны и неподражаемы! Его граффити особенные. Каждый рисунок полон смысла.
Работы Бэнкси моментально уходят с молотка на любом аукционе. Голливудские актёры выкладывают за его трафареты сотни тысяч долларов. А Британская Академия художеств давно уже включила одну из работ Бэнкси в свою экспозицию.
Работы Бэнкси ты можешь увидеть Здесь

Список источников:
По материалам журнала «Эскиз»

Приятного чтения!

Богатырь русской живописи

Есть знаменитое на весь мир живописное полотно, на котором изображены три сказочных… Впрочем, совсем не сказочных, а самых настоящих богатыря, о которых так много говорится в русских народных сказках и былинах – Илья Муромец, Добрыня Никитич и Алёша Попович. Это – картина «Богатыри» художника Виктора Михайловича Васнецова.


Сказки детства
Понятно, что в середине девятнадцатого века, когда Виктор Васнецов был маленьким, ещё не было ни аудиокниг, ни компьютеров. И даже книжек с картинками в русских деревнях не было. Сказки детям рассказывали дедушки и бабушки, которых за такое умение называли сказИтелями и сказИтельницами. Это был особый талант, и знали такие люди не только сказки, но и былины, песни, духовные стихи. А уж загадки, пословицы, поговорки и прибаутки так и сыпались у них с губ, как горох из стручка.
Вот такими сказителями были у Васнецова дед и бабка. В долгие зимние вечера семеро детишек усаживались на печи. Потрескивала лучина, и бабушка начинала рассказ, а ребятишки путешествовали в своём воображении по земле и по небу, заглядывали в морское царство и в тридевятое государство, сражались с чудищами погаными, спасали девицу-красу от Кощея Бессмертного. Тогда-то впервые и узнал маленький Виктор и о русских богатырях, и об Иване-царевиче на Сером волке, и о сестрице Алёнушке с братцем Иванушкой. Узнал, чтобы спустя много лет изобразить их на своих картинах и показать всем нам.
Настало время, и Виктор  приехал в Петербург поступать в Академию художеств. С экзаменационным заданием он справился легко, нарисовав всё, что требовалось. Но заметил, что стоящий позади него молодой человек скривил губы в усмешке, глядя на его рисунок. Васнецов так расстроился, что провалился. Перебивался весь год случайными заработками, пока не пришло время нового экзамена. Тогда-то он и узнал, что был зачислен ещё в прошлом году. Вот ведь как бывает со страху!
О молодом художнике заговорили, когда он написал несколько работ в духе критического реализма. Знаешь, что означает это сложное название? Это когда художник критикует в своих картинах проблемы общества, например бедность. Так появились полотна «Нищие певцы», «Рабочие с тачками». На картине «С квартиры на квартиру» ему удалось с большим сочувствием изобразить бедных стариков, перебирающихся в очередное убогое жилище со своими скудными пожитками. Однако Васнецов не стал художником-реалистом. Он начал изображать на своих холстах то,  чего в реальной жизни не существовало. Это были герои сказок и былин. До Виктора Васнецова никому в голову не приходило изображать их на картинах. Одна из первых таких работ – «Витязь на распутье».


А ведь на таком же распутье стоял в то время и сам художник. Если б ты только знал, как ругали его за новые работы! Друзья-художники призывали вернуться к тому самому реализму и даже отказывались брать его картины на выставки. А ему хотелось рисовать Царевну-лягушку, сестрицу Алёнушку, Ивана-царевича, мчащегося на Сером волке, диковинный ковёр-самолёт, летящий по синему небу. Трудно идти наперекор всем, но Васнецов оказался твёрд. Как и герой его картины – витязь, он выбрал непростое решение и пошёл по дороге, по которой до него никто не ходил. Сердце ему подсказывало, что герои былин и сказок не менее важны для народа, чем повседневная жизнь с её трудностями и невзгодами. И на этом пути художника ждала победа.
Его картина «Богатыри» наконец-то растопила сердца самых суровых критиков, произвела впечатление, понравилась. А знаешь, сколько лет над ней работал художник? Не год и не два – а почти двадцать! Конечно, он за эти двадцать лет и другие картины нарисовал, но эту постоянно переделывал, уточнял, дописывал. Почему же так долго? А потому, что сильные и могучие богатыри должны были стать символом всего русского народа. Для этого понадобились сотни и тысячи набросков.
Умение рисовать то, чего никто и никогда не видел, привлекло к Виктору Васнецову внимание учёных. Они попросили его сделать роспись для Исторического музея в Москве на тему первобытных людей, живших в далёком каменном веке. Всё это художнику удалось изобразить настолько правдоподобно, будто он сам жил в то время.
Васнецов расписывал и Владимирский собор в Киеве. Он полагал, что распишет его года за три. Но работа заняла целых десять лет! По окончании росписи Владимирского собора все стали говорить об особом васнецовском стиле. Художнику стали подражать, копировать его работы в росписях других храмов. Тем удивительнее прозвучала оценка собственного труда самим Васнецовым, который остался равнодушен и к чересчур восторженным похвалам, и к нападкам. Он считал, что ему всё равно очень далеко до древних иконописцев.
Росписи, которые украсили Владимирский собор, можно назвать картинами-великанами. Но, оказывается, Виктор Васнецов умел рисовать и совсем крошечные картины – книжные миниатюры: рисунки, бУквицы (крупная буква в начале текста, украшенная орнаментом), художественные  орнаменты.  Замечательны его иллюстрации к «Песне о вещем Олеге» Пушкина, к поэме Лермонтова «Песня про царя Ивана Васильевича, молодого опричника и удалого купца Калашникова». А уж как удавались ему иллюстрации к русским народным сказкам! И ты, конечно же, видел их на страницах своих детских книжек.
К тому же Виктор Васнецов ещё и архитектор! И не просто архитектор, а создатель целого направления в архитектуре, которое получило название «неорусский стиль» («нео» в переводе с греческого означает «новый», «молодой»).  Дома, которые он проектировал, были похожи на затейливые княжеские терема.
Также Васнецов был покровителем искусств. Он бескорыстно (то есть совершенно бесплатно) разработал новый фасад для Третьяковской галереи, отдавал часть своих доходов от выставок Историческому музею Москвы. Художник всеми силами старался, чтобы мы с вами никогда не стали Иванами, не помнящими родства, чтобы мы знали великую русскую культуру.

Список источников:
По материалам книги Марины Улыбышевой «Виктор Васнецов»

Приятного чтения!


Букет для Ван Гога

(1853 – 1890)
нидерландский художник-постимпрессионист, чьи работы оказали вневременное влияние на живопись 20 века. 

Я чувствую потребность стать другим, начать всё заново и извиниться за то, что мои картины несут в себе почти крик отчаяния, хотя мои сельские подсолнухи, возможно, и звучат благодарностью. 
                                                                                                       Винсент Ван Гог



Есть люди, особенно остро воспринимающие чужое страдание, переживающие его как своё, а может, и ещё сильнее. Это делает их жизнь чрезвычайно трудной. Голландский живописец Ван Гог был именно таким человеком.
Он с детства наблюдал тяжёлую жизнь крестьян и рабочих. Желание помочь им, мысль о самопожертвовании ради облегчения их участи очень рано овладели его душой. Он искал возможность реализовать свою мечту и в богословии, и в миссионерском служении, но, в конце концов, пришёл к тому, в чём был талантлив с детства – к живописи.
Его жизнь давно превратилась в популярную легенду. Его картины бьют все рекорды на мировых аукционах. В год столетия его смерти на аукционе Кристи в Нью-Йорке «Портрет доктора Гаше» его кисти был продан за 82,5 миллиона долларов! Он знал, что так будет, потому что ещё в 1889 году писал брату: «Практика торговли произведениями искусства, когда цены поднимаются после смерти автора, сохранилась до сих пор…»
Когда мы произносим имя великого голландского художника Винсента Ван Гога, то первое, что вспоминаем, – знаменитые «Подсолнухи». Действительно, именно эти солнечные цветы стали символом его творчества.  Ван Гог рисовал их очень часто. Сначала он просто хотел ими украсить свой дом в Арле. А потом оказывался недоволен законченным полотном и начинал новое. Он писал брату Тео в письме, что всякий раз не может передать цвет неба и солнца. Вот почему в разных музеях мира есть так много его знаменитых «Подсолнухов».

           
Ваза с двенадцатью подсолнухами. Мюнхен. 1888 г.
Ваза с пятнадцатью подсолнухами.
1888 г. Национальная галерея. Лондон


Ваза с пятью подсолнухами.
1888 г. Картина погибла в годы
Второй мировой войны
Но давай восстановим справедливость: Винсент написал много и других цветов. Образно говоря, они и были его учителями живописи, ведь никакого профессионального художественного образования Ван Гог не получил. Он составлял яркие букеты и замечал, как сочетаются цвет и форма, как взаимодействуют свет и тень, как красивы цветки, как причудливо изломаны стебли.
Не каждому ученику природа раскрывает свои живописные секреты. Она выбирает гениев. Увы, за всю жизнь художник сумел продать только одну картину – «Красные виноградники в Арле». Только родной брат художника Тео смог понять и оценить масштаб личности Винсента. Он стал ангелом-хранителем Ван Гога. Без его участия ни творчество, ни жизнь гения просто не состоялись бы.
Забегая вперёд, скажу, что по инициативе сына Тео, названного в честь дяди Винсентом, был основан Фонд Ван Гога. Он ставил своей целью собрать все работы художника, разбросанные по разным владельцам, и разместить их в созданном специально для этого музее. Программа Фонда была представлена голландскому правительству, и 21 июля 1962 года были подписаны соответствующие документы. А в 1973 году в Амстердаме открылся ныне всемирно известный Музей Ван Гога, который содержит сотни его произведений, личные вещи, письма и документы.
Ван Гог прожил 37 лет. И только последние семь он посвятил живописи. Однако его творческое наследие поразительно! Он создал более тысячи живописных полотен и столько же рисунков! Надо было обладать поистине вулканической энергией, чтобы в часы творческого подъёма писать по одной-две картины ежедневно! Подобно великому Рембрандту Ван Гог создал огромное количество портретов и автопортретов, по которым, как по книге, можно «прочитать» судьбу мастера.
Его жизнь трагически оборвалась в июле 1890 года в маленьком городке Овер недалеко от Парижа. Он был похоронен рядом с домом. На могилу художника брат положил двенадцать подсолнухов.
"Чем больше я размышляю о живописи, тем глубже убеждаюсь, что нет ничего более подлинно художественного, чем любить людей"
                                                                                                                         Ван Гог

Книги о Ван Гоге



Ещё больше о жизни и творчестве Ван Гога ты можешь узнать здесь

Список источников:
По материалам журнала «Детская энциклопедия»
Дневник живописи

 Приятного чтения!



Исаак Ильич Левитан

(1860-1900)
художник, всем своим творчеством доказывающий, что пейзаж может быть насыщен бесконечным разнообразием мыслей, чувств и настроений.

На языке одного только пейзажа Левитан сумел сказать то, чего порой не могли сделать художники, работавшие во многих жанрах.
Современница художника в своих воспоминаниях описала, как рождался такой насыщенный чувствами пейзаж. Однажды, возвращаясь с охоты, они с Левитаном вышли на старое шоссе. «Длинная полоска дороги белеющей лентой убегала среди перелеска в синюю даль. Вдали на ней виднелись две фигурки богомолок…» Пейзаж казался умиротворённым, даже уютным. И вдруг Левитан сказал: «Постойте, да ведь это Владимирка, по которой когда-то, звякая кандалами, прошло в Сибирь столько несчастного люда». На следующий день художник пришёл на это место и в несколько сеансов написал картину «Владимирка». Ни теплоты, ни уюта не осталось в этом пейзаже – бесконечная, серая, ничем, казалось бы, не примечательная уходит вдаль дорога, вокруг пусто, голо, лишь редкие перелески да кусты скрашивают окружающую бедность. Тучи, беспросветно нависшие над горизонтом, одинокая фигурка странницы вдалеке подчёркивают мрачный мотив пустынной дороги, дороги скорби, скрывающейся за горизонтом.

Левитан рано понял своё призвание и никогда ему не изменял. Он любил природу как-то особенно. Это была даже и не любовь, а какая-то влюблённость. Расцвет творчества художника пришёлся на конец 1880-х годов. Только за 1889 год были созданы такие шедевры, как «Берёзовая роща», «После дождя. Плес», «Заросший пруд», «Вечер. Золотой Плес». В них чувствуется близость импрессионизму (с работами художников этого направления Левитан познакомился на Всемирной выставке в Париже).

Музейный словарик

Импрессионисты
Это слово было придумано в 1874 году после первой совместной выставки группы молодых французских художников. Особенно поразил зрителей пейзаж Клода Моне «Восход солнца. Впечатление». От слова «впечатление» (фр. impression) и родилось название нового направления в живописи.
Художники-импрессионисты взяли себе за правило писать картины не в мастерской, а под открытым небом – на берегу моря или реки, в поле или на городской улице, передавая красками живое и непосредственное впечатление от только что увиденного. Главным для них стали воздух и свет – фигуры людей и предметы как бы погружены в них.
Импрессионисты заметили, что один и тот же пейзаж представляется совсем иным при разном освещении – в солнечную и в пасмурную погоду, при утреннем и вечернем свете, – и старались сохранить в своих картинах эту особенность.
Лучшие музеи мира украшают великолепные произведения художников-импрессионистов Клода Моне, Пьера Огюста Ренуара, Эдгара Дега, Камиля Писсарро, Эдуарда Мане.

В 1894 году Левитан создаёт свою удивительную философскую картину – «Над вечным покоем». Трудно найти в мировой живописи произведение, в котором с таким суровым лаконизмом ставились и разрешались общечеловеческие вопросы жизни и смерти. На переднем плане картины – край косогора, старая деревянная церквушка и заброшенное кладбище, а дальше, насколько хватает глаз, тусклая неподвижная вода огромного озера, лишь на горизонте очерченного узкой линией низкого берега. Человек с его судьбой перед лицом необъятной Вселенной – вот содержание этой картины.
На полотнах Левитана нет обилия деталей. Он всегда находит в пейзаже главный, определяющий мотив и подчиняет ему всё остальное. Например, «Март» всепроникающий солнечный свет, «Золотая осень»  пылающие кроны берёз и их нежно-белые стволы. Эти мотивы потом не раз использовались другими художниками.




Это интересно
Когда Левитан ездил с учениками на этюды по волжским деревням, местное население встречало их настороженно. Ватага молодых шумных людей, к тому же занимавшихся совершенно непонятным делом, вызывала у деревенских людей подозрение. Их порывались избить, прогнать, а то и обвинить в колдовстве. И лишь однажды, когда Левитан стоял на берегу реки у мольберта, к нему подошла старушка. Она долго наблюдала за работой художника, а потом вдруг протянула ему пятак.
 Что вы! Зачем? – удивился Левитан.
 Возьми, милый, купи себе хлебушка. Разве я не вижу, как ты мучаешься?
Так простая деревенская женщина посочувствовала творческим мукам художника.


Список источников:
По материалам журнала «Детская энциклопедия»

 Приятного чтения!


      Леонардо да Винчи
(1452-1519) 
великий итальянский художник (живописец, архитектор, скульптор) 
и учёный (естествоиспытатель, анатом), изобретатель, писатель.

Красоты картин знаменитых художников практически не оставляют равнодушных. Одним из наиболее известных мастеров кисти был Леонардо да Винчи, чьё имя ассоциируется с эпохой Возрождения. Написанные им шедевры всегда привлекают внимание любителей и пользуются популярностью. Многочисленные копии картин да Винчи распространены в разных уголках мира и приносят наслаждение ценителям его творчества по всей планете.

Однажды в мастерскую Андреа дель Верроккьо, великого флорентийского живописца, поступил новый ученик. Он был ещё совсем мальчик, но, как сказал порекомендовавший его художник, очень хорошо умел рисовать. Верроккьо быстро разглядел таланты нового ученика и через некоторое время поручил ему небольшую работу – написать белокурого ангела на большой картине «Крещение Христа», где самые важные фигуры – Иисуса Христа и святого Иоанна – мастер писал сам. Ученик немедленно взялся за дело, и вскоре ангел был написан, да так хорошо, что Верроккьо даже обиделся.
– Больше никогда не возьму в руки кисть, если какой-то мальчишка сумел меня превзойти! – заявил он.
Этого мальчишку звали Леонардо, он был сыном мелкого дворянина из города Винчи, поэтому к его настоящей фамилии – ди сер Пьеро – присоединилось прозвище да Винчи, под которым он и вошёл в мировую историю как гениальный живописец, скульптор, архитектор и инженер эпохи Ренессанса. В истории средневекового знания нет такой области, которой бы не коснулся великий мастер. Самые знаменитые произведения Леонардо да Винчи знает каждый, кто хоть немного интересуется искусством. Это известные «Джоконда» («Мона Лиза»), «Тайная вечеря», «Дама с горностаем», «Мадонна в скалах», «Иоанн Креститель».
• Изобретения
Вклад в науку Леонардо да Винчи краткая биография не сможет передать полностью. Однако можно отметить наиболее известные и ценные открытия учёного. Леонардо создал огромное число чертежей различных машин, которые значительно опередили своё время. 
Наибольший вклад он сделал в механику, это видно из множества его рисунков. Леонардо да Винчи исследовал падение тела, центры тяжести пирамид и многое другое. Он изобрел автомобиль, сделанный из дерева, который приводили в движение две пружины. В механизме автомобиля был предусмотрен тормоз.
Великий художник придумал скафандр, ласты и подводную лодку, а также способ погружения на глубину без применения скафандра со специальной газовой смесью. Изучение полёта стрекозы привело к созданию нескольких вариантов крыльев для человека. Эксперименты оказались неудачными. Однако потом учёный придумал парашют. Также он занимался разработками в военной отрасли. Одним из его предложений были колесницы с пушками. Кроме того, Леонардо придумал прототип броненосца и танка.
Много разработок Леонардо да Винчи сделал в строительстве. Арочные мосты, осушительные машины и подъёмные краны – это всё его изобретения.
В истории не существует человека, подобного Леонардо да Винчи. Именно поэтому многие считают его пришельцем из других миров.
• Творчество Леонардо да Винчи можно разделить на три этапа.
Ранний период. Много работ великого живописца были не закончены, такой является «Поклонения Волхвов» для монастыря Сан-Донато. В этот период были написаны картины «Мадонна Бенуа», «Благовещение». Несмотря на свой юный возраст, живописец в своих картинах уже демонстрировал высокое мастерство.
Зрелый период творчества Леонардо протекал в Милане, где он планировал сделать карьеру инженера. Наиболее популярным произведением, написанным в это время, была «Тайная вечеря», тогда же он начал работу над «Мона Лизой».
В поздний период творчества была создана картина «Иоанн Креститель» и серия рисунков «Потоп».
Занятие живописью всегда дополняло науку для Леонардо, так как он стремился зафиксировать реальность.



Истории у мольберта


Загадки «Моны Лизы»


Почему она так улыбается? Этот вопрос волнует умы искусствоведов и сердца простых зрителей на протяжении уже пяти столетий. К разгадке тайны «Моны Лизы» вплотную подошли учёные из Канады и Франции. Они исследовали самую знаменитую картину Леонардо с помощью всех доступных современной науке способов: просветили рентгеном, осмотрели в инфракрасном излучении, сканировали в трёх измерениях. И под слоем жёлтого лака на тёмном фоне увидели новую, принципиально важную деталь – Мона Лиза облачена в тонкую газовую вуаль. Такую во Флоренции XVI века носили беременные или только что родившие женщины. Это улыбка матери, обращённая к своему ребёнку. Учёные утверждают, что новое открытие позволяет также точнее определить дату создания полотна – 1503 год, когда у Лизы Джерардини, супруги купца Франческо дель Джокондо, родился второй сын. Первенец умер в младенчестве, и появления на свет следующего ребёнка ждали с особым нетерпением.
А вот тайну уникальной техники живописи Леонардо даже с помощью современной аппаратуры разгадать не удалось. Разработанный им приём сфумато, когда изображение словно окутано дымкой, неповторим. Исследователи даже выдвинули гипотезу, что Леонардо наносил краску руками, тем более что никаких следов кисти на холсте нет, как, впрочем, и отпечатков пальцев. Специалисты реставрационно-исследовательского центра признались: «Мы не знаем, как он это делал. Художник накладывал краску очень тонкими слоями, но при этом все детали – вышивку платья, волосы – выписывал предельно чётко. Леонардо просто гений».
И ещё одна неразгаданная тайна «Джоконды». Работники Лувра, где выставлена эта картина, заметили, что длительные перерывы в работе музея приводят к её потускнению. Она темнеет, но стоит посетителям вновь заполнить музейные залы, и «Мона Лиза» словно оживает – проявляются сочные краски, фон осветляется, загадочная улыбка видна более чётко.

Многие учёные до сих пор ломают голову над наследием, оставленным великим человеком прошлой эпохи. Хотя называть так Леонардо да Винчи не стоит, он предсказал многое, и ещё большее предвидел, создавая свои уникальные шедевры и поражая широтой знаний и мысли.
• Пять секретов великого Мастера  помогут приподнять завесу тайны над его произведениями.
Шифрование
Одинаково хорошо владевший обеими руками, да Винчи писал левой, мельчайшим шрифтом, да ещё и справа налево, а часто и в зеркальном отображении. Загадки, метафоры, ребусы – вот что встречается на каждой строчке, в каждом произведении. Никогда не подписывая своих работ, мастер оставлял свои знаки, заметные лишь внимательному исследователю. Например, через много столетий учёные обнаружили, что присматриваясь к его картинам, можно обнаружить символ взлетающей птицы. Или знаменитая «Мадонна Бенуа», найденная у странствующих актёров, возивших полотно в качестве домашней иконы.
Сфумато
Идея рассеивания принадлежит также великому мистификатору. Присмотрись к полотнам, все предметы не обнаруживают чётких граней, тут как в жизни: плавное перетекание одних образов в другие, размытость, рассеивание – всё дышит, живёт, пробуждая фантазии и мысли. Кстати, художник частенько советовал упражняться в таком видении, вглядываясь в пятна от воды, грязевые наплывы или горки пепла.
Посмотри на знаменитую картину – улыбка «Моны Лизы» под разным углом то нежная, то чуть надменная и даже хищная.
Знания, почерпнутые благодаря изучению многих наук, давали художнику возможность изобретать совершенные механизмы, которые становятся доступны только сейчас. Например, это эффект распространения волн, проникающая сила света, колебательное движение… да много чего ещё предстоит разбирать даже не нам, а нашим потомкам.
Аналогии
Аналогии – вот что главное во всех работах Леонардо. Преимущество перед точностью, когда из двух заключений ума вытекает третье – это неизбежность любой аналогии. А в причудливости и проведении совершенно умопомрачительных параллелей да Винчи нет равных до сих пор. Так или иначе, все его работы имеют какие-то идеи, не сообразующиеся друг с другом: знаменитая иллюстрация «золотое сечение» – одна из них. С расставленными и разведенными конечностями человек вписывается в круг, с сомкнутыми в квадрат,  чуть приподняв руки в крест. Вот такая своеобразная «мельница» и дала флорентийскому кудеснику идею создания церквей, где алтарь помещён точно посередине, а молящиеся стоят кругом. Кстати, эта же идея пришлась по вкусу инженерам – так появился шариковый подшипник.
Контрапост
Определение обозначает противопоставление противоположностей и создание определённого вида движения. Пример – скульптурное изображение огромного скакуна в Корте Веккио. Там ноги животного расположены именно в стиле контрапост, образовывая визуальное понимание движения.
Незаконченность
Это, пожалуй, один из любимейших «трюков» Леонардо. Ни одно его произведение не законечно. Медлительный и скрупулёзный, мистификатор всех времён мог делать пару мазков кистью и отправляться в долины Ломбардии, чтобы улучшить там ландшафты, переключиться на создание очередного аппарата или что-то другое. Многие произведения оказались подпорчены временем, огнём или водой, но каждое из творений, хоть что-то значащих, было и есть незавершённым. Интересно, что даже после порчи, Леонардо да Винчи никогда не исправлял своих картин. Создав свою собственную краску, художник даже специально оставлял «окно незаконченности», полагая, что жизнь сама внесёт необходимые коррективы.



Список источников:
Леонардо да Винчи
Gallerix
Презентация сделана на сервисе emaze


 Приятного чтения!

Комментариев нет:

Отправить комментарий