О живописи

  6+
Живопись, пожалуй, самый древний из видов искусства. В мире нет ни одного человека, который в детстве не увлекался бы рисованием, а на заре человечества рисунок вообще был единственным способом передачи информации.
У слова «живопись» две корневые основы – «живой» и «письмо». Великая мудрость слова проявилась и в этом случае. Картина, написанная настоящим мастером, и в самом деле, словно окно в живую жизнь, мгновение, остановленное рукой художника.
Безусловно, далеко не из каждого ребёнка вырастает великий художник. Важно вовремя понять своё призвание, а поняв, быть готовым много и долго учиться. Но даже если ты не видишь себя художником, уверена, что этот вид искусства не оставит тебя равнодушным, и тебе будет интересно получить представление о различных направлениях и жанрах живописи, узнать имена великих мастеров. А чтобы лучше понять то, что мастер стремился выразить в своём произведении, любители живописи стараются больше узнать о самом художнике, о времени, в котором он творил, о художественных приёмах, которые использовал. Сделать первый шаг к этим знаниям ты сможешь здесь. 


Содружество муз

Книга и чтение в изобразительном искусстве
1. Пьер Огюст Ренуар «Девушка, читающая книгу»
2. Сергей Андрияка «Керосиновая лампа и старые книги»
3. Игорь Солдатенков «Дядя Петя»
4. Александр Лактионов «На скамейке у реки»
5. Александр Герасимов «Портрет дочери» 
6. Пьер Огюст Ренуар «Читающая девушка»

Приятного чтения!



Чаепитие в живописи

Пожалуй, ни один художник не уделял чаю как элементу быта русского человека столько внимания, как Борис Михайлович Кустодиев. Чаепитие за самоваром – частый сюжет его картин. 
Работы художника буквально излучают светлые, радостные чувства, а одним из самых известных полотен Кустодиева, описывающих чаепитие, является картина «Купчиха за чаем» (1918 год).  Роскошная сервировка стола, богатый самовар, чайник и чашка, расписанные золотом, – все эти элементы говорят, что перед нами успешная женщина. Яркие краски, безоблачное голубое небо, уют и гармония в сознании художника ассоциируются с традиционным чаепитием.
Одной из самых глубоких с точки зрения чайной философии картин Б.М. Кустодиева можно считать работу «На террасе» (1926 год), в которой отражена традиционная черта русского чаепития, заключающаяся в объединении семьи. На террасе вокруг самовара собрались все члены дружной семьи, которые прониклись единой атмосферой покоя и любви.
Картина «Чаепитие у учительницы» Н.П. Богданова-Бельского показывает самые светлые и радостные события в жизни детей: встреча с любимой учительницей и долгожданный день рождения.
Чай в живописи – это не просто декорация, а важный элемент, который несёт в себе серьёзную смысловую нагрузку. Этот напиток сопровождает человека в течение всей жизни, выступая в качестве своеобразного символа его духовного мира. Ведь в моменты истинного наслаждения, которое способен подарить легендарный напиток, человек открывает свою душу, сближаясь с окружающим миром.

Источник:
По материалам журнала «Эскиз»

Приятного чтения!


Искусство наивное

Наивное – оно же примитивное. Это одно и то же, только наивное звучит немного уважительней и к самому искусству, и к людям, которые им занимаются. Однозначного определения наивному искусству критики и теоретики так и не придумали. Они уже сто лет спорят и никак не могут прийти к единому мнению. Одни говорят, что наивное искусство – это творчество людей, не получивших профессионального художественного образования. Другие, более категоричные, говорят, что если искусство непрофессиональное – значит, это вообще не искусство. В своих рассуждениях они договорились до того, что заявляют: «Наивное искусство – это просто каракули детей или нездоровое самовыражение взрослых». Вот как!
Мы, конечно, в этот спор не вступим. Только хотелось бы уточнить: а как быть с теми работами, которые выполнили в этом стиле профессионалы самого высокого уровня – Анри Руссо, Нико Пироманишвили? Возможно, наивное искусство и похоже на детский рисунок: почти для всех произведений этого стиля характерно отсутствие перспективы, упрощённые способы изображения, а их цветовые решения можно назвать нестандартными. Художники-«наивы» не стремятся соблюдать все законы рисунка и живописи. Самое важное для них – это искренность и детская непосредственность. Только так может получиться по-настоящему интересное произведение. Классифицировать или систематизировать наивное искусство невозможно: в каждой деревне найдётся местный самобытный художник, который, так сказать, «сам себе стиль». И всё-таки у всех наивных картин есть общее: они очень добрые, «светлые», часто написанные на сюжеты местного фольклора.
Интерес к наивному искусству с каждым годом растёт. Во многих городах открыты музеи наивного искусства, издаются красочные альбомы, организовываются персональные и коллективные выставки. И это прекрасно!

Источник:
По материалам журнала «Эскиз»

Приятного чтения!



Масляная живопись

В открытии масляной живописи большую роль сыграла тщательность голландского художника Ван Эйка. До него крас­ки изготавливались на клею. Голландский мастер всегда рабо­тал над своими досками подолгу и очень тщательно покры­вал их потом лаком. Затем, как и все тогдашние художники, он выставлял их сушиться на солнце. 
Однажды его самое лю­бимое произведение пострадало при сушке: разошёлся клей, который связывал доски. Мастер так расстроился, что дал себе зарок из дома не выходить, пока не придумает специальный лак, чтобы можно было сушить доски прямо в ма­стерской. Ван Эйк перепробовал все масла и обнаружил, что, если лак делать на основе орехового и льняно­го масла, то он сохнет гораздо быстрее других. А потом живописцу пришло в голову замешивать свои краски сразу не на клею, а на масле. И у него получилось! 
Так возникла масляная живопись. 


Увидев одну из картин Ван Эйка, король Неаполитанский объявил, что теперь он будет поку­пать только картины, написанные новым спосо­бом. И что он готов за них платить весьма щедро. Понемногу и другие итальянские государи заинтересовались масляной живописью. Но ита­льянские живописцы не умели писать маслом – не знали, как сделать такие краски. Поэтому не­аполитанский художник Антонелло да Мессина решил выведать секрет у Ван Эйка. Он приехал к нему под видом обычного путешественника, который прослышал про великого голландского мастера. А чтобы усыпить его бдительность, Мес­сина привёз с собой пухлую папку эскизов и рисунков разных итальянских художников: в Голландии они были на вес золота. Ван Эйк был счастлив этим подарком. Отны­не он не расставался с хитроумным итальянцем. Бывало, Ван Эйк трудится у мольберта, а Месси­на сидит где-нибудь рядышком и развлекает его анекдотами об итальянцах. Прошла пара меся­цев, и хитрый художник из Неаполя наконец вы­ведал всё, что хотел. Он тут же бросил своего «дорогого друга», вернулся на родину и разбога­тел, торгуя картинами, написанными по-новому.

Источник:
По материалам журнала «Эскиз»

Приятного чтения!


Пушистая живопись

А почему «солнечным» называют только зайчика? Если у тебя хорошее настроение и ты хочешь нарисовать своего домашнего питомца весёлым и «солнечным», то обязательно сделай это!
Коты и кошки Екатерины Куклачёвой


Что должна была рисовать девочка Катя, если папа у неё самый знаменитый "кошатник"?  Конечно же, кошек! Коты и кошки стали главными героями художественных работ Екатерины Куклачёвой – известной художницы, дочери знаменитого дрессировщика. Она пишет не просто кошек, а их характеры, настроения и эмоции. Каждая из них – вполне сформировавшийся персонаж, обладающий человеческими качествами. Куклачёва часто наделяет своих героев человеческими атрибутами – например, тростью и шляпкой. Её кошки прогуливаются на задних лапах и качаются на качелях. В общем, живут своей собственной полноценной жизнью. Екатерина работает художником-оформителем в Театре кошек Юрия Куклачева: создаёт афиши, плакаты, декорации к спектаклям и костюмы. Она проиллюстрировала серию книг «Школа Доброты», которые без назиданий и нравоучений подготовят тебя к познанию окружающего мира, научат любить его и через эту любовь познавать себя.
Все её рисунки выполнены в технике пуантилизма. Пуантилизм – письмо отдельными чёткими мазками в виде точек. На холст наносятся «чистые» краски, не смешанные на палитре. Глаза сами «смешают» маленькие цветные пятнышки. Это называется «оптическим смешением». Такие картины лучше всего рассматривать немного издалека.
1. сначала рисуем контур карандашом и слегка тонируем его;
2. заранее подбираем 3-4 родственных цвета;
3. наносим на работу много точек одного цвета;
4. поочерёдно добавляем точки других цветов;
5. старайся, чтобы точки не попадали одна на другую;
6. получился котик!


Список источников:
По материалам журнала "Эскиз"

Приятного чтения!

Советы от арт-терапевта 

1. Устал – рисуй цветы.
2. Злишься – рисуй линии.
3. Болит – лепи.
4. Скучно – заполни листок бумаги разными цветами.
5. Грустно – рисуй радугу.
6. Страшно – плети макраме или делай аппликации из тканей.
7. Ощущаешь тревогу – сделай куклу-мотанку.
8. При возмущении – рвите бумагу на мелкие кусочки.
9. Чувствуешь беспокойство  складывай оригами.
10. Хочешь расслабиться – рисуй узоры.
11. Важно вспомнить – рисуй лабиринты.
12. Ощущаешь неудовольствие – сделай копию картины.


Низкий жанр высокого качества

Давным-давно, когда живопись была делом лишь избранного круга мастеров, считалось, что писать натюрморты – дело непрестижное. Что её величество История запомнит только тех, кто прославит своё имя в «высоких жанрах»: портрете, мифологии, баталии… А вот поди ж ты, любят художники этот «низкий жанр»! И есть целый ряд мастеров, которые посвятили своё творчество именно ему. Действительно, это и сложно, и увлекательно – при отсутствии сюжета и абсолютной простоте композиции создать интересную для зрителя работу!



Композиция

Если ты художник, если ты музыкант, писатель, дизайнер… даже повар, то тебе необходимо знать, что такое композиция. Потому что без неё – никакое произведение (от торта до дворцово-паркового ансамбля) не получится!
Композиция – это грамотное построение произведения: картины, музыкальной пьесы, книги… Это такое сочетание всех элементов, при котором они максимально эффектно связываются в единое целое. Попробуй переставить местами фрагменты музыкальных произведений – и услышишь какофонию. А если речь идёт о произведении живописном, то главным экспертом выступает не слух, а зрение.


Все – на пленэр!

На пленэр – это значит на природу. Само понятие «пленэр» пришло в мир искусства из Франции и означает «природа с натуры». То есть для того, чтобы написать этюд или пейзаж, нужно идти в лес, в поле, на речку, ставить мольберт и писать именно то состояние природы, игру света и тени, какое видишь в данную минуту. И делать это нужно быстро, а то солнышко поменяет положение на небе – и вслед за ним изменятся тени и все цвета. Итак, берём акварель и идём на пленэр!


«Сырой» пейзаж

Техника акварельной живописи интересна именно тем, какие возможности открывают перед художником эти краски. Скорее всего, именно акварель потребуется первокласснику в школе на уроке. Однако это не значит, что акварелью работать так уж просто.
Существуют несколько способов акварельной техники:
● «фонвизинская», когда краски словно втираются друг в друга;
● по сухому листу;
● по сырому листу;
● иллюстративно-декоративный.
Будем писать «по-сырому». Чтобы этюд получился лёгким и воздушным, работать в этой технике нужно быстро. Сразу после нанесения лёгкого рисунка карандашом смочи бумагу. Это можно сделать или прямо под краном, или мокрой тряпочкой, или большой кистью. Чтобы во время работы лист не высох, можно под него подложить влажную пелёнку. Помни, что для этой работы нужна специальная акварельная бумага. Тонкая и глянцевая не подходят!
Большой кисточкой нанеси основные цветовые плоскости. Краску при этом бери «с запасом», потому что при высыхании акварель светлеет. Если же тебе понадобится убрать излишки цвета и высветлить участок, используй влажный кусочек ваты. Пиши этюд, начиная с дальних планов. Помни, что воду лучше писать горизонтальными мазками, а кусты, деревья, цветы – вертикальными. Когда работа слегка просохнет, можно нанести (если, конечно, это требуется) последние цветовые удары:  тени, тонкие веточки, птиц в небе.



Список источников:
По материалам журнала "Эскиз"

Приятного чтения!


Китайская живопись

Китайская живопись – явление уникальное! Она (эта самая живопись) отличается от привычной нам европейской точно так же, как язык землян отличается от языка марсианского. Мало просто любоваться работами китайских мастеров, нужно уметь их прочитать и расшифровать, потому что в каждой композиции заложен глубочайший философский смысл. Так что без «европейско-китайского живописного разговорника» нам ничего не понять!


Перечислить все символы, сложившиеся за тысячелетия развития китайской живописи, невозможно – их нереально много! А вот самые популярные назовём и поясним. Начнём с главного: в Китае вся живопись очень декоративна. В ней нет того, что в Европе считается «архиважным»  светотени. Так, впервые увидев западные портреты, один китайский художник с изумлением заметил, что европейцы частично – чернокожие, частично – белые, ведь они рисуют одну половину лица чёрной (в тени), а другую белой (на свету).
Жанры китайской живописи очень разнообразны. Как и у нас, в Китае существует портрет, пейзаж, бытовой и анималистический жанры. Но вот любимого многими натюрморта нет. Неподвижные предметы китайцы считают мёртвыми и неинтересными, так что изображать их обязательно нужно в сочетании с живой природой. Если уж апельсины, то на ветке.
В китайской живописи существует два стиля письма: гунби – «прилежная кисть» и сей – «живопись идей». Первому стилю присуща тонкая и подробная графическая манера письма с тщательным накладыванием красок. Второму – свободная эскизная манера письма широкой кистью.
Китайские картины пишутся тушью, минеральными и растительными красками типа акварели на шёлке (иногда на хлопчатобумажной или пеньковой ткани) или на особой бумаге из мягкого тонкого волокна и имеют форму свитков: горизонтальных для рассматривания на столе и вертикальных для украшения стен. Художники пользуются кистями разных размеров, от очень тонких до очень толстых (от 5 миллиметров до 5 сантиметров). Штрих может быть лёгким, как облако, или мощным, как дракон.


Так вот, запоминай: дракон и птица феникс – символы власти, могущества и силы (дракон также символ императора, а сейчас – Китая и мужского начала; феникс – это императрица, женское начало); лев – символ мощи и благородства; тигр – защитник от злых духов; журавль, черепаха и старые камни – символы долголетия; летучая мышь, сорока – символы счастливой вести; голубь – символ мира; селезень с уткой, две рыбки, две бабочки, два цветка лотоса на одном стебле – символы супружеского счастья; лотос  символ внутренней чистоты; пион – символ человеческой красоты, богатства, изобилия, почести и пышности; персик – символ долголетия и бессмертия; рыба карп – символ пожелания счастья и успехов; множество цветов – символ расцвета китайского искусства.
В наши дни часто бывает, что художник, занимающийся китайской живописью, всю жизнь пишет только в каком-то одном жанре, даже какой-то отдельный предмет: женский портрет, кошку, осла, лошадь или пион. Именно в таком неимоверно кропотливом труде оттачивается его мастерство, обеспечивается карьера, приходит слава.


В Китае издавна говорят о близости живописи и каллиграфии. Художники и каллиграфы пользуются одними и теми же материалами и инструментами (кисть, бумага и тушь) и одинаковым линейным способом письма. Между китайской каллиграфией и живописью столько общего, что они считаются родными сёстрами. Обрати внимание: практически все живописные композиции дополнены изысканными надписями. Это говорит о том, что в основе китайского изобразительного искусства лежит линия. Самыми простыми линиями  китайские живописцы создавали и создают произведения высокого художественного совершенства.

Список источников:
По материалам журнала "Эскиз"

Приятного чтения!


Кто хоть раз видел эту птичку вблизи?



ВДОХНОВЕНИЕ, ПРИДИ!
Рисуем снегиря поэтапно



У Тебя наверняка получится ещё лучше!
Рисуй каждый день. Замечай красивое и радостное и старайся сотворить что-нибудь подобное. Не рисуй просто дерево, просто танк или просто человека. Рисуй живое дерево, мирный танк, счастливого человека. То, что ты рисуешь, обязательно должно быть каким-то. По правде говоря, оно будет таким, каким был ты во время рисования. Представь, какая разница между рисунком просто человека и рисунком счастливого человека! И ещё совет. Рисуй быстро. Почти на одном дыхании. Тогда твой рисунок не успеет стать «правильным». Правильные рисунки пусть рисуют профессионалы. А мы рисуем для радости. Также ты можешь написать о том, что рисуешь. Пиши, как и рисуй, с той же целью. Для себя и для тех, кто рядом. А рядом с тобой и жучок, и солнышко, и сосед по парте, и пингвин в Антарктиде! 






Источник:
По материалам книги Екатерины Каленкевич "О чём рассказывает цвет?"

Комментариев нет:

Отправить комментарий