Рисованные истории

10+


6 известных портретов Натальи Гончаровой


1. Акварельный рисунок неизвестного художника. Наталья Гончарова. 1818 год
2. А. Брюллов. Н. Н. Пушкина. 1831–1832 гг.
3. В. Гау. Н.Н. Пушкина. 1842–1843 гг.
4. В. Гау. Портрет Н. Н. Ланской. 1844 г.
5. И.К. Макаров. Портрет Н. Н. Пушкиной-Ланской. 1849 год.
6. К. Лаш. Портрет Н.Н. Пушкиной-Ланской. 1856 г.

Приятного чтения!


«Среди волн»


Первоначально в центре картины Ивана Айвазовского, среди бушующих волн, была изображена крошечная шлюпка с моряками, которые смогли спастись с тонущего судна. Но один из родственников Ивана Константиновича, опытный морской офицер, сказал, что такое крохотное утлое судёнышко не выдержало бы натиска столь могучих волн и неминуемо утонуло бы. Художник был недоволен этим замечанием, но он всегда стремился к максимальному реализму и правдивости своих работ. В результате на следующий же день шлюпка исчезла с полотна – художник решил изобразить только бушующее штормовое море как символ непобедимой мощи стихии.

Приятного чтения!

«Прощание» 


Это полотно Ивана Айвазовского хочется назвать «Алое утро». Но солнце уже поднялось над морем. Всё небо и море залило золотисто-алым солнечным светом. И только край моря у песчаного берега отливает нежным лазоревым светом. Вдали стоит парусный корабль, а у берега причалила одинокая лодка. На берегу прощается молодая пара, к матери прижался ребёнок. Мужчина, видимо, уезжает на корабле, к которому его доставят на лодке. Несмотря на предстоящую разлуку, картина не вызывает чувства печали, тревоги.

Приятного чтения!


«Алёнушка»

Виктор Васнецов "Алёнушка", 1881 г.

Несмотря на то, что самая популярная работа Виктора Васнецова была написана по мотивам русской народной сказки, картину «Алёнушка» нельзя назвать простой иллюстрацией. Художник преследовал иную цель – не столько воссоздать известный сюжет, сколько «оживить» сказочного персонажа, сделать образ близким и понятным, органично вписать в окружающую природу, создать психологически точный портрет героини. Грусть девочки очень взрослая. Печаль в её глазах граничит с отчаянием. Неубранные рыжие волосы, тёмные глаза, нежно-алые губы – формируют легко читаемый образ ребёнка с трудной судьбой. В Алёнушке совсем нет ничего сказочного, фантастического. Собственно, вся сказочность сюжета подчёркнута лишь одной деталью – группой ласточек, сидящих над головой героини. Этим символом (как известно, ласточки символизируют надежду) художник уравновешивает полный тоски образ героини, даёт надежду на счастливый финал старой русской сказки. Васнецов наполнил фоновый пейзаж атмосферой тишины и грусти. Отлично удались художнику водная гладь пруда, камыши, осока, ели. Всё неподвижно, тихо, спокойно. Даже пруд отражает героиню очень деликатно, слегка. Чуть трепещут молодые осины. Едва хмурится осеннее небо. Тёмные, зелёные тона пейзажа контрастируют с румянцем на лице героини, а осенняя грусть – с яркими цветами на юбке Алёнушки. Смотришь и чувствуешь – ещё мгновение и сказка продолжится... 
Изначально Васнецов назвал картину «Дурочка Алёнушка», однако в отношении художника к своей героине нет ничего оскорбительного или ироничного. Дело в том, что словом «дурочка» в те времена называли юродивых или сирот. Вспомним сказку – после смерти родителей Алёнушка и её брат Иванушка остаются одни, а отчаявшись найти непослушного брата, Алёнушка чувствует себя круглой сиротой, одинокой и покинутой.
К слову, это одна из первых в истории русской живописи картин, где внутренние переживания человека передавались через тонко воспроизведённое состояние природы. 

Список источников:
По материалам журнала "Юный художник"

Приятного чтения!


«Над городом»

Сказочная картина, яркий и красивый сон, полёт над городом в обнимку с любимой. Они наконец-то воспарили на своём счастье, вместе, вдвоём. Город внизу маленький, нереальный. Они – это сама реальность, счастливая реальность, а всё остальное – где-то там. Там – маленькие домики, маленькие сценки из жизни городка. А художник и его супруга в своей реальной нереальности сна. 
Здесь хорошо просматривается отношение Марка Шагала к жене. Любовь художника кроется в её изящных линиях, стройности стана, нежности лица. В отличие от неё, самого себя он нарисовал угловатым и неловким. 

Приятного чтения!


Забавные факты об известных художниках

Куинджи и птицы
Архип Куинджи обожал птиц. Считал себя «птичьим избранником», рассказывал, что птицы понимают его речь, легко даются ему в руки. Когда речь заходила о птицах, немногословный Архип Иванович становился чрезвычайно словоохотлив. Он часами просиживал на крыше своего дома, «беседуя» с голубями и воронами. Ежемесячно на прокорм пернатых друзей он закупал 60 французских булок, до 10 кг мяса и 6 кулей овса.
Клод Моне начинал со смешного
Не слишком прилежный ученик, Клод разрисовывал обложки тетрадей и рисовал карикатуры на учителей. Да так удачно, что к 15 годам прославился в родном Гавре как искусный карикатурист. Его стали просить рисовать карикатурные портреты, что он и делал, причем – уже за деньги: с вас 20 франков! Вскоре забавные рисунки Клода Моне красовались в витрине единственной лавки художественных принадлежностей города. При виде их юный Моне «готов был лопнуть от гордости».
Суперзрение
У гениальности Куинджи было научное объяснение. Многие художники теряли покой, пытаясь повторить его палитру, достичь той достоверности, с которой Куинджи рисовал тени и свет.
Между тем, секрет «куинджевских красок» был проще, чем казался. Однажды Куинджи (преподававший в то время в Академии художеств) пригласил в класс своего приятеля – Дмитрия Менделеева. И тот принёс прибор, позволяющий оценить чувствительность глаза к цветовым оттенкам. Куинджи сильно опередил по этому показателю своих молодых студентов. Он видел иначе. Не в плане творческой позиции, а в самом буквальном физиологическом смысле.
Аппетит Маковского
Маковский славился не только «открыточными» портретами жён состоятельных господ, но и баснословными ценами, которые устанавливал на свои работы. Но однажды он чуть не продешевил. Барон Аккурти пригласил популярнейшего художника позавтракать в ресторане – он только что купил роскошный особняк с плафонами, расписанными Маковским, но без его автографов. Сибарит и гурман, Маковский размяк в предвкушении трапезы и пообещал сразу же после неё поехать и подписать все три плафона бесплатно. Барон наконец сделал заказ: скомандовал лакею подать корюшку и хлебца. «Корюшку? Мне?» – возмутился про себя Маковский. А вслух сказал: «Пять тысяч рублей за подпись на каждом плафоне!»
Обет Модильяни
Амедео Модильяни – выдающийся итальянский художник-экспрессионист, – очень рано стал интересоваться рисованием и живописью. Окончательное решение стать художником он принял в одиннадцатилетнем возрасте после тяжёлого плеврита, когда, лежа в бреду, Амедео решил: если выживет, то посвятит себя живописи. И он сдержал слово.
Валентин Антон Серов
Друзья и родные звали Валентина Серова Антоном. Это не самое очевидное прозвище возникло – вернее, начало возникать – в детстве. Родители звали маленького Валентина Валентошей, Тошей, иногда – Тоней. Позднее Тоша превратился в Антошу. И письма, которые Илья Репин писал уже взрослому Серову, нередко начинались обращением: «Антон, Антон!».
Подозрительные зарисовки
В 1887-м Серов вместе с Ильей Остроуховым и братьями Михаилом и Юрием Мамонтовыми предпринял путешествие в Европу. В Вене молодых художников очаровал собор Святого Стефана, и те не расставались с карандашами, постоянно рисуя эскизы. Однажды к молодым людям подошли полицейские и предложили пройти в ближайший участок – иностранцы, то и дело что-то зарисовывавшие в своих альбомах, показались им подозрительными. Инцидент замяли, русских художников настоятельно просили не жаловаться в посольство.
Позднее, уже в поезде они рассказывали попутчикам о том, как их приняли за русских шпионов. «Не волнуйтесь, господа, – успокоили те Серова и Остроухова, – на днях на соседней улице обворовали ювелирный магазин. Скорее всего, вас приняли за обыкновенных грабителей».

Список источников:
По материалам журнала "Эскиз"

Приятного чтения!

Подпись художника

Нередко, рассматривая живопись старых мастеров, мы испытываем досаду, видя на табличке лаконичное «Н.Х.» – неизвестный художник. Немного больше нас радует подпись «мастер…», дополненная названием немецкого или фламандского городка или алтаря какого-нибудь святого. Если же мы откроем именной список художников XIII-XV веков, то обнаружим, что и здесь изобильнее всего представлена буква «М». И не потому, что в это время были особенно популярны Михели, Матеуши и Мельхиоры, а потому, что нас ожидает длинная череда безымянных мастеров – мастер св. Вероники, мастер амстердамского успения Богородицы, мастер вышитых рукавов, мастер лилльского поклонения и другие.
Сначала от желания поставить подпись на работе художников удерживал страх божий, потому что тщеславие – смертный грех. Да и зачем отдельно сообщать, что именно ты писал этот алтарь, когда Господу это и так прекрасно известно?
Но потом они каааак разошлись. Один написал на посредственной фреске: «Петрус Перузинус, отличный живописец, если искусство погибло, то эта живопись его возродила». Другие стали с помощью подписи демонстрировать своё виртуозное мастерство. И делать намёки. И подделывать подписи знаменитых...
А вот античные скульпторы свои работы подписывали с гордостью. Да что скульпторы? Даже греческие керамисты (начиная, примерно, с середины VII века до н.э.) нередко снабжали свои красно- и чёрно-фигурные изделия сразу двумя подписями – гончара и художника, превращая любую проданную амфору в рекламную листовку.
Что же всё-таки заставило мастеров задуматься о подписях? 
Немалую роль в этом сыграло расширение «клиентской базы». Дороги, почта и дипломатия в XIII веке были развиты несомненно лучше, чем в XII в, а значит, прекрасный мастер, известный в XII веке лишь в своём городе, в XIII-XIV получал неплохие шансы прославиться за пределами собственной страны и даже поработать на заказчика, никогда не имевшего с ним личных контактов. Следовательно, имело смысл снабдить свою работу опознавательным знаком, позволяя клиентам связать определённое имя с определённым качеством. Помогло и то, что в священных сюжетах становилось всё больше светского – истории расширялись, включая в себя архитектуру и пейзажи, скупой символический мир насыщался деталями и подробностями, в него вошли изображения донаторов – обычных смертных людей, а, следовательно, вплести своё имя в орнамент на вазе или увековечить себя в виде слуги в свите волхвов, уже не казалось художнику великим кощунством.
Эти автопортреты в картинах – одни из первых подписей, что мы знаем. Их оставляли даже те мастера, которые так ни разу и не рискнули отметить алтарную доску своими инициалами. Жаль, что такие «подписи» так сложны для расшифровки сейчас.
Одну из самых прекрасных историй появления подписи сохранил для нас Джорджо Вазари в биографии Микеланджело: 
«…однажды Микеланджело, подойдя к тому месту, где помещена работа («Пьета»), увидел там большое число приезжих из Ломбардии, весьма её восхвалявших, и когда один из них обратился к другому с вопросом, кто же это сделал, тот ответил: «Наш миланец Гоббо». Микеланджело промолчал, и ему показалось по меньшей мере странным, что его труды приписываются другому. Однажды ночью он заперся там со светильником, прихватив с собой резцы, и вырезал на скульптуре своё имя».
Живописцы обычно не были так отважны, как Микеланджело, и использовали для подписи таблички, картуши или листки-обманки, словно приколотые к фону, а порой «высекали» свои имена на нарисованных подоконниках и базах колонн – такой способ одновременно и сохранял имя художника, и подчёркивал его мастерство. Порой автограф мог быть оставлен имитацией чеканки на краю кубка или текстом на письме, которое держит в руках портретируемый.
Особенно признательны должны быть искусствоведы Альбрехту Дюреру, который с юности снабжал свои работы не только подписью, но и развёрнутым комментарием в духе «Это я сам нарисовал себя в зеркале в 1484 году, когда ещё был ребёнком. Альбрехт Дюрер». В нескольких же особо серьёзных случаях Дюрер просто вручал плакатик с подписью самому себе, скромно, но гордо стоящему где-нибудь на заднем плане «Вознесения господня». А чтобы его работы не приписали какому-нибудь фламандцу, ещё и указывал на них «немец» или «нюрнбержец».
Из всего вышесказанного возникает резонное предположение, что если подпись известного мастера поднимала стоимость работы, то их должны были подделывать. И их, конечно, подделывали. Знаменитая вторая поездка Альбрехта Дюрера в Италию была совершена не столько ради знакомства с новыми веяниями в искусстве, сколько ради прекращения итальянцами печати фальшивых «дюреровских». Помогло это Дюреру не слишком – итальянцы запретили соотечественнику копировать подпись придирчивого немца, но разрешили продолжать копировать его работы. Впрочем, и подделать подпись соотечественника художники не гнушались – к примеру, Питер Брейгель Старший довольно долго работал в мастерской, производившей гравюры с подписью покойного (и очень хорошо продающегося) Босха.
К XVII веку авторские сигнатуры наконец-то приобрели привычную для нас форму – несколько букв или полное имя. Иногда дополненные датой, написанные небрежно или каллиграфически (в зависимости от характера мастера) и должные засвидетельствовать подлинность картины и поднять её цену. И всё-таки иногда подпись становилась чем-то большим – к примеру, устроенная Гойей игра с подписями на «Портрете герцогини Альба в чёрном» явно была должна утвердить близкие отношения художника и модели.
Двадцатый век подарил искусствоведам массу способов определить авторство художника даже без подписи – и всё же она по-прежнему важна настолько, что может поднять цену работы в несколько десятков раз. Ценность этих нескольких букв прекрасно иллюстрирует анекдот про Пикассо, который, расплатившись за обед в ресторане рисунком на бланке счёта, парировал просьбу хозяина об автографе словами: «Дорогой мой, я ведь покупаю только обед, а не весь ресторан». 

Приятного чтения!


Рисованные приключения Муми-троллей

Муми-тролли – «дети» великой Туве Янссон, родились как герои комиксов и прославились как герои философских сказок. Популярность Муми-троллей кажется универсальной, они любимы повсеместно, а общий тираж книг исчисляется десятками миллионов экземпляров. Но интересно, какими разными путями шли персонажи Туве Янссон к признанию. Например, в родной Финляндии первые книги о Муми-доле не вызвали особого восторга, а первый комикс про Муми-троллей встретил шквал критики. Советскому союзу достаточно было переводов книг и удачных анимационных адаптаций, чтобы герои приобрели культовый статус. А вот в Великобританию импозантные существа десантировались в виде ошеломительно успешного комикса.
Муми-тролли тешат читателей своим неповторимым образом жизни и умением сохранять непоколебимое спокойствие в неутихающем вихре неожиданных событий.
Комикс «Муми-зима» – история про очередную богатую событиями зимовку. Муми-тролли собрались впасть в спячку, но ситуация выходит из-под контроля, когда Муми-дом открывает свои двери, и даже окна, сначала скромной фру Флаффинс, перевернувшей всё верх дном в попытках не доставить лишних хлопот, потом грубоватому Громфу, и, наконец, не обременённому лишними манерами малышу Клипдассу, поставившему крест не только на спячке, но вообще на каком-то отдыхе всех вокруг. Снежная зима наполняет гостеприимную гавань хлопотами по самую крышу. Даже стойкая Муми-мама начинает беспокоиться: «В гостях ли счастье?»
Деятельная и предприимчивая Туу-Тикки помогает Муми-троллям встрять в новое долгожданное приключение в «Парусах Муми-троллей». Она строит корабль, и вся компания, решив организационные вопросы – «Что повесим на иллюминаторы: ситец или тюль?» – готова к спуску «Викинка» на воду. Даже если поблизости не видно воды, на которую его можно спустить.
Добравшись, не без приключений, до большой воды, путешественники испытывают на своих шкурках многие напасти. На их головы сваливается всё подряд от сибаритствующего поэта, нашествия толпы Клипдассов и шторма до вероломного нападения пиратов. Но ведь понятно: чем сильнее треволнения, тем краше и уютней замаячивший вдали Муми-дом.
Под занавес читатель знакомится с отчаянно влюблённым и стеснительным Смурьком. В «Смурьке-воздыхателе» Муми-тролль обучает новоиспечённого приятеля искусству ухаживания. Не самый талантливый педагог, надо сказать, но и с учеником ему не слишком повезло:
– Ужин получился так себе?
– Не скромничай! Это было полное фиаско!
Помощь тандему приходит от достойного психотерапевта Доктора Шляпы, который неожиданно профессионально доводит пациентов до неврозов, а себя – до паранойи. Если бы не Муми-мама с надёжным средством, трудотерапией, финал мог бы быть печальным.
Хотя последнее всё же маловероятно. Пусть Муми-долу не чужда лирика, печаль наведывается к нему редко, и уж точно не в комиксах. Муми-жизнь бурна и непредсказуема, но дарит усмешку и успокоение. Упитанные тролли выразительны и эмоциональны. Для своих габаритов они ещё и удивительно подвижны и пластичны. А их извечные метания между тягой к волнующим приключениям и способностью к обретению радости в мелочах оживляет любой сюжет. И не похоже, что от этого можно устать.
Осталось напомнить: несмотря на коктейль из того, что будто бы кричит о детскости (комиксы плюс Муми-тролли), возрастная адресация здесь взлетает сильно выше младшего школьного возраста. Колкие шутки и выдержанная ирония обращены к опытному читателю, способному оценить многие оттенки юмора, ведь Туве Янссон даже в чёрно-белых рисунках удавалось интуитивно использовать насыщенную палитру.

Список источников:
По комиксам Туве Янссон о Муми-троллях

Приятного чтения!


Портрет Бориса Пастернака на фоне Балтийского моря



23 октября 1958 года поэт и писатель был объявлен лауреатом Нобелевской премии по литературе за роман «Доктор Живаго». Но вскоре из-за массовой травли и нападок в духе «Не читал, но осуждаю!» Пастернак был вынужден отказаться от премии.






Гвоздика, лилия, лилия, роза

Международному дню девочек посвящается

Картина Джона Сингера Сарджента, на которой две девочки зажигают китайские фонарики в сумеречном саду, стала одной из самых узнаваемых и прославляемых работ художника. Написана она, однако, была в период «забвения», когда художника уже даже не критиковали – его просто не замечали. Такая творческая невидимость подарила Сардженту определённую свободу – и в передвижениях, и в выборе сюжетов. Название полотна «Гвоздика, лилия, лилия, роза» (альтернативное название – «Китайские фонарики») было взято художником из популярной тогда романтической песенки «Пастух сказал мне».
Писатель Эдмунд Госс рассказывал в одном из писем: «Он одевал детей в белые свитера, которые доходили им до лодыжек, а сверху натягивал платья. Сам Сарджент укутывался, как исследователь Арктики. Розы постепенно отцвели, и их пришлось заменить искусственными цветами, которые прикрепляли к засохшим кустам. Ни для одной картины он не делал столько набросков. Иногда он мог остановить детей посреди игры криком: «Замрите! Остановитесь! Мне нужно сделать набросок». И убегал, оставляя девочек неподвижными, как жена Лота, в ожидании, когда он вернется с мольбертом, холстом и красками».

Источник:

Приятного чтения!


Утренний натюрморт


Доброе и вкусное утро от художницы-иллюстратора из Италии Синции Болонези! Она создаёт работы прямо за завтраком. Однажды она поставила свою чашку кофе с печеньем на чёрный холст, с которым обычно работает, и вдруг поняла, что к утреннему натюрморту не хватает немного рисованных линий. Так начался её проект, красивый, элегантный и аппетитный одновременно.


Приятного чтения!


За что мы любим комиксы


За последние полвека
многие вещи изменились –
в том числе комиксы и я.
И по крайней мере
некоторые из них –
комиксы – стали лучше.
Роберт Блок
(из предисловия к альбому «Хеллбой»)

Мой интерес к комиксам вызывает у людей улыбку. А я думаю, хорошо, если люди улыбаются. И снова жду: может быть, очередное издательство выпустит что-нибудь. Прекрасно помню первый комикс, в дошкольные годы подаренный мне родителями. Это был альбом по мотивам повести Ж. Рони-старшего «Борьба за огонь». На обложке – ни названия, ни имени художника, зато крупными белыми буквами написано: «КОМИКСЫ». В полном восторге я раскрасила все семь букв фломастерами. Позже я прочитала и оригинальную книгу Ж. Рони. И перечитывала не один раз; книга понравилась. Но я поняла, что рядом с книгами существует другой мир, не менее интересный, – мир комиксов. Комиксы продавались в тех же магазинах, на тех же полках. Они выглядели как книги. Но внутри была дорога в рисованную страну.
Многие согласятся, что этот жанр уникален – и тех, кто увлекается им, с каждым годом становится всё больше.
Путешествие в прошлое
Исследователи комикса обнаруживают его корни в наскальной живописи, лубочных картинках, в агитплакатах футуристов и даже в житийных иконах. Всё это очень условно, но своя история у жанра определённо есть. В 2015 году комиксу официально исполнилось 120 лет – считая от года создания в Америке Мики Дьюгэна или Жёлтого Малыша.
Мики – персонаж газетных карикатур, придуманный художником Ричардом Аутколдом. До поры до времени с современными комиксами эти карикатуры роднили лишь фразы-комментарии, нанесённые на жёлтую рубашку героя. Однако когда Жёлтый Малыш завоевал любовь читателей и обрёл популярность, газетным магнатам пришло в голову вместо одной карикатуры печатать связанную общим сюжетом серию.
Появившись на свет как сугубо газетное развлечение, комикс достигает книжного формата. Над сценариями комиксов в различное время работали известные литераторы (например, Курт Воннегут и Рэй Брэдбери). Комикс экспериментировал с жанрами, стилями и с целевой аудиторией. Появились комиксы для клерков, для домохозяек, для интеллектуалов. В Америке в 1969 году федеральный суд освободил автора комиксов от уплаты налогов – после того, как тот подарил серию своих работ университетской библиотеке. Двумя годами ранее в Лувре прошла выставка «Комикс и повествовательная изобразительность», вызвавшая горячие споры между сторонниками и противниками комикса. В конце 1970-х группа французских художников выпустила манифест, в котором комиксу присваивался статус самостоятельного вида искусства. Официальное признание комикса состоялось. В списке прочих искусств комиксы заняли почётное девятое место.
Что важно знать о комиксах
В Японии комиксы активно используются в учебном процессе. Воспитатели и психологи утверждают: знания, «переведённые» на язык рисунка, быстрее и легче воспринимаются детьми. Смотреть, как известно, интереснее, чем просто читать. «Переводу» подчас подвергаются и известные литературные произведения. Спорный вопрос – на пользу или во вред такая адаптация, но сам факт её существования убеждает, что у нарисованных историй очень богатые перспективы.
А кстати, читают комикс или смотрят?
Рисунок выразителен сам по себе. Однако комиксы без текста – это скорее исключение, чем правило. Неслучайно символом жанра является «пузырь» – то есть, грубо говоря, та часть комикса, которая содержит текст. Объёмы повествования могут варьироваться от незначительных до очень больших. Пронзительный литературный текст, сочетаясь с яркой, оригинальной графикой, способен превратить комикс в атмосферное искусство. Собственно, за что комиксы и любят.
Представим, что мы открываем первую страницу нарисованной истории и видим броский панорамный кадр. В первую очередь мы находим на рисунке текст (ремарки, реплики персонажей, надписи, вывески, таблички) и читаем его. И только затем соотносим прочитанное с картинкой, хотя уже мельком её видели (да и, читая, продолжаем видеть). Поэтому наиболее полным будет ответ: комикс читают и смотрят одновременно. В этом – его жанровая уникальность. Иными словами, это картинки, которые можно читать.
Как разворачивается действие в комиксе?
Кадры комикса статичны. Они оживают только в воображении читателя. Основное действие в комиксе разворачивается не на рисунках, а «между» ними, – в момент, когда читатель мысленно соединяет две разрозненных картинки в связную историю.
Таким образом, комикс, как и литература, заставляет работать воображение.
* * *
Знакомство с комиксами требует определённой подготовки. Чтение их –увлекательный процесс, но не каждый комикс достоин прочтения. Как и литература, комиксы бывают разные. 

Источник:

Приятного чтения!


Всемирному дню кошек посвящается

8 августа по календарю праздников – Всемирный день кошек. Отмечается он ежегодно с 2002 года во всём мире. Мало найдётся на планете людей, которые остаются равнодушными к этим пушистым, подвижным, ласковым и очень умным животным.  Кошка – одна из излюбленных деталей на многих картинах. В средневековой живописи обнаружить изображение кошки проблематично, так как по христианским догматам, эти домашние хищники символизировали лень, а сам дьявол охотно принимал форму чёрного кота! Только в эпоху Возрождения отношение к кошке стало меняться. Пушистые хищники появились на картинах Дюрера и Леонардо да Винчи. Очень любили писать кошек импрессионисты, у одного Ренуара картин с кошками несколько десятков. На портретах девушек изображение кошки подчёркивало мягкость и нежность хозяйки. А вот в статичные натюрморты домашние хищники вносили жизнь и интригу. В большинстве случаев, на таких полотнах кошка воровала еду. Но это действо изображалось не с порицанием, а с долей юмора и определённым восхищением её ловкостью.


Приятного чтения!


Герцогиня-шоколадница

Даже если вы всего-навсего камеристка, но обладаете магнетическим обаянием, вы можете выйти замуж за… ну хотя бы за герцога! Поскольку короли по любви всё-таки редко женятся.
Камеристки – это старшие горничные. Они были немножко «начальницами» над всей домашней прислугой. Иногда между камеристкой и госпожой устанавливались весьма тёплые взаимоотношения. Вот такие «тёплые и доверительные» отношения установились у знаменитой камеристки Нандль Бальдауф с её госпожой, австрийской императрицей Марией Терезией. Мадемуазель Бальдауф не обладала ни знатным происхождением, ни богатством, но зато была необыкновенно красива! Роль простой прислуги никак не удовлетворяла амбициозную девицу. Она твёрдо решила «свести с ума» какого-нибудь вельможу, недаром же она живёт в императорском дворце! Светские дамы поговаривали (скорее всего, от зависти к простой служанке), что Нандль Бальдауф знает секрет приворотного зелья, которое добавляет в горячий шоколадный напиток. Кстати, девушек, которые подавали шоколад господам, называли шоколадницами.
Когда, отведав из рук Нандль горячего шоколада, в неё без памяти влюбился герцог Дитрихштейн, никто и не удивился. «Приворотное зелье!»  решил высший свет. А герцогу было всё равно: он «потерял голову» и твёрдо решил жениться на красавице-служанке. Это был скандал на весь высший свет! В качестве свадебного подарка герцог преподнёс невесте необыкновенный сюрприз. Он заказал придворному живописцу портрет его любимой шоколадницы. Жан Этьен Лиотар, работавший тогда при австрийском императорском доме, создал не просто портрет – шедевр! Он изобразил молодую герцогиню в том самом платье, в котором её впервые увидел будущий муж.
А теперь этот портрет не просто популярен, он везде: на коробках конфет, на рекламных плакатах, на постерах, на открытках и в нашем блоге…


Список источников:
По материалам журнала "Эскиз"

Приятного чтения!

Морис Лелуар и его мушкетёры



Может быть, я и ошибаюсь, но мне кажется, что роман Александра Дюма «Три мушкетёра» читали все. А потом все смотрели замечательные художественные фильмы о приключениях мушкетёров и гвардейцев, о легендарном кардинале Ришелье, о любви французской королевы и английского герцога, о подлости и предательстве, о чести и бесстрашии. Русские, французские, английские – фильмов много, и я думаю, будет ещё больше. Фантазия режиссёров безгранична. Вот, например, в последнем фильме герои возвращаются «с небес на землю», чтобы снова сразиться с несправедливостью. Но если же ты, дорогой читатель, хочешь точно знать, какими на самом деле были могучий Портос, гламурный Арамис, изысканный Атос и очаровательный  Д’Артаньян, то тебе нужно идти не в кино, а в библиотеку. И там искать такую книгу, иллюстрации к которой выполнил необыкновенно талантливый график Морис Лелуар. Очень рекомендую.


Морис Лелуар родился в Париже в 1851 году. В семье, где произошло это событие, все были художниками. Отец семейства Жан Батист Огюст Лелуар был уважаемым живописцем, выпускником училища изящных искусств. Мама, Элоиза Колен, любила писать акварелью. Она была прилежной ученицей своего мужа и своего отца, тоже прекрасного художника. Старший брат Луи-Огюст поначалу подражал отцу – работал масляными красками. Это получалось у него так здорово, что поговаривали, будто за него пишет отец. Тогда назло сплетням Луи начал работать акварелью. И послышались упрёки: «Мама помогает!»
Морис Лелуар тоже освоил всё: писал и как папа, и как мама, и как брат. Собственным же почерком Мориса стали гравюры. А вершиной его творчества – книжная графика! Он выполнил иллюстрации  к десяткам книг. Считается, что 225 его иллюстраций к роману аббата Прево «История кавалера де Грие и Манон Леско»  образец искусства книжной графики. Но первой книжкой, в которой юные читатели встречаются с героями Лелуара, являются всё-таки «Мушкетёры!» Честно говоря, когда эту книгу читала я, то была абсолютно уверена, что и Дюма, и художник (имени я тогда не запомнила) были современниками мушкетёров. И даже больше – дружили. Только в этом случае можно было так подробно обо всём написать и так точно всё нарисовать. А секрет вот в чём: Морис Лелуар был крупнейшим авторитетом в области истории моды. В 1906 году он основал и возглавил Общество истории костюма. А затем сам составил и проиллюстрировал многотомный «Словарь по истории костюма». Эта книга в наши дни широко известна, её многократно переиздавали, и нет на свете лучшего учебника для тех, кто снимает исторические фильмы! В 1920 году Морис Лелуар подарил парижскому музею Карнавале свою коллекцию костюмов, в которой насчитывалось более 2 тысяч образцов мужского и женского платья. Эта коллекция стала основой для всемирно известного собрания парижского Музея моды.



Но вернёмся к мушкетёрам. Они появились «из-под пера художника» в 1894 году. В тот год Франция отмечала 50-летие первой публикации романа «Три мушкетёра». К этому юбилейному изданию Морис Лелуар выполнил 250 рисунков, вошедших в золотой фонд мировой иллюстрации. Поразительно достоверно он передал характеры героев, детали быта XVII века, пейзажи и архитектуру Франции эпохи Людовика XIII.  К творчеству Дюма художник обращался часто. А последним произведением, над которым работал Лелуар, был роман «Человек в железной маске». Только на этот раз он не иллюстрировал, а консультировал. В 1928 году Лелуар был приглашён в Голливуд на съёмки одноимённого фильма в качестве художника-консультанта.

Лелуар работал до глубокой старости. Он прожил почти 90 лет. Книги с его иллюстрациями можно купить и сегодня. Только вот незадача: они всегда очень дорогие, ведь иллюстрациями Лелуара, как правило, украшают роскошные подарочные издания. Но знаешь, они того стоят!


Список источников:

Приятного чтения!

Господин Силуэт

Жил-был во Франции в XVIII веке важный вельможа Этьен де Силуэт. Служил он при дворе могущественного короля Людовика XV и занимал ответственный пост министра финансов. О его скупости, расчётливости и подозрительности было сложено множество анекдотов. И хоть был он неплохим министром, но прославился совсем не заслугами на государственной должности. Однажды на господина Силуэта кто-то из придворных нарисовал необычную карикатуру в виде тени. И подписал: «Силуэт».
С тех пор «силуэтом» стали называть все контурные плоские изображения, словно тени, повторяющие очертания предметов. А со временем искусство силуэта стало самостоятельным видом графики. Тени-картинки так понравились придворным, что многие захотели обладать таким «портретом». Даже сам господин Силуэт увлёкся вырезанием профилей из тёмной плотной бумаги.
Силуэты можно не только вырезать, но и рисовать сплошным чёрным пятном на белом фоне или наоборот (тушь – на белом, а белила – на чёрном). В таком рисунке невозможно передать черты лица или какие-нибудь детали, поэтому контуры предметов должны быть очень точными и выразительными.
В Европе искусством силуэта особенно увлекались в XIX веке. А в Китае и Японии силуэты были известны ещё в глубокой древности. Необыкновенно изящные силуэты с тонкими прорезанными деталями были персонажами знаменитого театра теней у народов Древнего Востока.


Список источников:
По материалам журнала "Эскиз"

Приятного чтения!


Как аниматоры Disney рисовали «Алису в Стране чудес»

Возможности анимации сегодня практически безграничны. Но когда-то иллюстраторы вынуждены были использовать минимум доступных им средств.
Так, чтобы нарисовать Алису из сказки, аниматоры студии Уолта Диснея вначале фотографировали реальную модель в каждом эпизоде, а после срисовывали её образ. Прототипом для образа девочки, попавшей в Страну чудес, стала 10-летняя актриса Кэтрин Бомонт. За время студийной работы девочке приходилось исполнять акробатические трюки и сниматься с причудливыми инструментами, чтобы художники могли по этим кадрам нарисовать нужные сцены. В неделю иллюстраторы рисовали порядка 23-24 секунд анимации. Сложно даже представить тот объём работы, который им пришлось проделать, чтобы на свет появился полнометражный мультфильм.






Список источников:

Приятного чтения!


  Роспись потолка Сикстинской капеллы – 
    триумф или наказание?

Микеланджело Буонарроти


Весной 1508 года римский папа Юлий II пригласил в Ватикан знаменитого скульптора Микеланджело Буонарроти. Святой отец, несмотря на свой высокий духовный сан, был человеком хитрым и честолюбивым. «Великий труд» 33-летнего мастера из Флоренции должен был навеки обессмертить имя Юлия II.
Согласно замыслу Его святейшества, Микеланджело надлежало расписать потолок Сикстинской капеллы. Микеланджело высочайший «заказ» сначала разочаровал, потом огорчил и даже напугал. Живопись казалась ему делом второстепенным. Он не хотел менять резец на кисть, а тем более зависеть от капризов своего высокопоставленного заказчика.
Единственным выходом из создавшейся ситуации было бегство из Рима. Словно почувствовав мастера, Юлий II отдал приказ не выпускать его за городские ворота.
С тяжёлым сердцем, измученный сомнениями, в мае 1508 года Микеланджело всё-таки приступил к работе. Сделав предварительно около 300 набросков, он решил полностью изменить план росписи Сикстинской капеллы, предложенный Юлием II. Ему виделась грандиозная фреска по библейским сюжетам, окружённая фигурами пророков и сивилл, сидящих на мраморных тронах…


Здание капеллы было высоким, и чтобы расписать её потолок, Микеланджело придумал особые «леса», на которых он работал лёжа на спине. Техника фрески – роспись по сырой штукатурке – была капризна, требовала быстроты и точности при нанесении рисунка. Рука с кистью быстро немела, тело ныло от напряжения, от недостатка света болели глаза. Ближе к вечеру под сводами капеллы становилось так темно, что приходилось работать при свечах. К тому же папа римский оказался прижимист в деньгах, то и дело задерживая выплату жалования. Подмастерья, вызванные самим художником из Флоренции, скорее мешали, чем помогали. Рассерженный и расстроенный Микеланджело пришёл к неутешительному для себя выводу: «Фреска – не моё ремесло, я только напрасно трачу время!»
Однажды, придя в капеллу,  подмастерья так и не дождались своего учителя. Он просто-напросто сбежал. Узнав о случившемся, лукавый Юлий II лишь развёл руками и посоветовал флорентийцам возвращаться домой, прекрасно понимая, что Микеланджело уже не в силах отказаться от начатой работы.
Его святейшество оказался абсолютно прав: вскоре художник вернулся. Но поставил условие: никто не должен заходить в капеллу. Он строго-настрого наказал сторожу гнать прочь всякого, кто попробует сунуть туда свой любопытный нос. Это касалось всех, даже папы римского.
Однако Юлий II решил пренебречь запретом и начал тайно наведываться в залу. Микеланджело быстро заметил, что в его отсутствие там бывают непрошенные гости, и решил их подстеречь. Ждать долго не пришлось. Спрятавшись как-то раз высоко на «лесах», он увидел сначала тусклый свет фонаря в руках слуги, а затем и знакомую фигуру самого святого отца. Сделав вид, что не узнал Юлия II, Микеланджело с силой толкнул доски, находившиеся поблизости. Они с грохотом полетели вниз. Взбешённый выходкой художника, папа бросился вон из капеллы.
Усталость, досаду, неудовлетворённость результатами своей работы Микеланджело изливал в своих стихах, ведь он был не только великим скульптором и живописцем, но и прекрасным поэтом:

                    …Живот подполз вплотную к подбородку,
                    Задралась к небу борода, затылок
                    Прилип к спине, а на лицо от кисти
                    За каплей капля краски сверху льются
                    И в пёструю его палитру превращают…

1 ноября 1512 года в Сикстинской капелле убрали «леса». Двери уже были готовы отвориться навстречу любопытствующей толпе, когда под сводами разнёсся разгневанный голос Его святейшества: «Плафон кажется бедным! Где золото на одеждах пророков?» В звенящей от напряжения тишине прозвучал спокойный ответ художника: «Если Вы, святой отец, назовёте мне имя хотя бы одного пророка, который носил золотые одежды, я немедленно продолжу работу!» Папа не нашёлся что ответить дерзкому Буонарроти…
Около четырёх лет Микеланджело расписывал потолок Сикстинской капеллы, общая площадь которой около 600 кв.м. Он изобразил почти 300 фигур. На девяти основных частях композиции художник запечатлел главные сюжеты Ветхого Завета: от сотворения Вселенной до Всемирного потопа. По углам были написаны фигуры юношей, поддерживавших медальоны с изображением родового герба семьи делла Ровере, к которой принадлежал Юлий II. Боковые «треугольные» фрагменты изображали библейских пророков и сивилл.



Через двадцать четыре года Микеланджело Буонарроти вновь вернётся в Сикстинскую капеллу, чтобы по заказу нового папы – Льва X– расписать её алтарную стену. Он создаст одно из величайших творений мировой культуры – фреску «Страшный суд».


ФРЕСКА
Если ты внимательно прочитал об уникальной работе Микеланджело в Сикстинской капелле, то тебе будет интересно узнать о главной особенности живописной техники, в которой была выполнена роспись потолка, - о фреске.
Итальянское слово fresco означает «свежий». Это особый вид живописи, который был известен ещё в Древнем Египте, Греции, Риме и в странах Ближнего Востока. Особую популярность фреска приобрела в эпоху Возрождения (XIV-XV века) в Италии. Умели писать фрески и в Древней Руси, украшая ими стены и своды церквей, соборов.
Фреской называют не только технику живописи, но и готовое произведение: роспись, по своему замыслу и композиции тесно связанную с архитектурой здания.
Сначала стену, на которую должен быть нанесён рисунок, тщательно штукатурят. Чтобы при её высыхании не появились трещины, в состав штукатурки добавляют солому, лён, пеньку. Краски готовят из цветного порошка и воды, наносят их на свежую, ещё не просохшую штукатурку. Именно поэтому фреска пишется фрагментарно (частями). Когда штукатурка и краски высыхают, образуется тонкая химическая плёнка, закрепляющая роспись и делающая её долговечной. При этом художники должны помнить, что, высыхая, краски слегка бледнеют.
Технику, о которой ты узнал, называют «истинной фреской» - buon fresco. Существует и фресковая живопись по сухой штукатурке – fresco secco, но она менее прочная и долговечная.

Дельфийская сивилла
Фрагмент росписи Сикстинской капеллы

Приятного чтения!


   дамская ДУЭЛЬ
Какие дуэли мы вспоминаем, когда заходит речь об этом жестоком выяснении отношений? Прежде всего воображение рисует дуэли между королевскими мушкетёрами и гвардейцами кардинала Ришелье. В истории России самыми трагическими оказались дуэли, в которых погибли Александр Пушкин и Михаил Лермонтов.
Хотелось бы написать, что дуэль – дело только мужское. Ан нет! В истории есть немало примеров, когда таким образом выясняли отношения женщины. И уж совсем «из ряда вон» - поединок между женщиной и мужчиной. Однако случалось и такое. Вот, например…

В мае 1571 года в миланский женский монастырь святой Бенедиктины прибыли две знатные синьоры и попросили у настоятельницы разрешения остановиться в одной из комнат на ночлег. Разрешение они получили. Но вместо того чтобы в положенный час идти на молебен, они заперлись в комнате, выхватили кинжалы и бросились друг на друга. Прибежавшие на шум монахини заподозрили неладное, ворвались в комнату, но, к сожалению, поздно: в той дуэли победительницы не было…

Женская дуэль. Хусепе де Рибера


Картину «Женская дуэль» испанский художник Хусепе де Рибера создал под впечатлением от поединка двух молодых дам из-за любви к одному молодому человеку. История сохранила имена всех участников этой дуэли: Изабелла де Карацци вызвала на дуэль Диамбру де Петинелли. Случилось это в Неаполе в 1552 году, а до сих пор волнует сердца посетителей картинной галереи Прадо, поскольку картина, созданная на этот сюжет, - одна из самых завораживающих в экспозиции музея.
Одна из самых известных женских дуэлей произошла из-за соперничества двух высокородных особ за благосклонность герцога де Ришелье. Да-да, опять Ришелье! Он сам впоследствии вспоминал, что ему было известно о намерении дам драться на пистолетах в Булонском лесу. Эта дуэль, к счастью, закончилась небольшой раной на плече одной из дуэлянток (мадам Несль). Зеваки, которые тут же возникли рядом и наблюдали за поединком, всё норовили узнать: достоин ли предмет спора этого поединка?
Одна из американских газет штата Джорджия в середине ХIX века писала: «На прошлой неделе вопрос чести разрешился между двумя молодыми леди – Джейн Уэйл и Синди Даер. Объект их спора присутствовал на поединке в качестве судьи. Ему пришлось своими глазами увидеть, как одна из его поклонниц, серьёзно раненная, упала. На победительнице ему пришлось жениться, как того требовали условия поединка…»
Но если бы причиной дуэлей была только любовь! Однажды знатные дамы подрались на дуэли из-за разногласий по вопросам устройства венской международной музыкальной выставки! Почётный президент выставки принцесса Полина Меттерних схлестнулась с президентом женского комитета этой выставки. Были и секундантка – принцесса Шварценберг, и доктор – некая баронесса, доктор медицины. Её помощь не понадобилась: у одной из дам была поцарапана рука, а у другой – нос.

Список источников:
livejournal


Приятного чтения!





Голландский пейзаж




Привет! Приглашаю тебя в захватывающее путешествие в удивительный мир искусства. Сегодня я познакомлю тебя с незаметными на первый взгляд деталями, которые можно отыскать на произведениях искусства из коллекции Нескучного музея. 


В голландском пейзаже 17 в. обязательно присутствовала вода. Также на таких картинах изображали архитектуру того времени: многоэтажные домики, большие арки над каналами, куда заплывали лодки.



                 
           Музейный словарик





Пейзаж (от фр. рaysage – страна, местность) – жанр изобразительного искусства, воспроизводящий естественную или изменённую человеком природу. Пейзажем называется также картина, написанная в этом жанре.
Существуют разновидности пейзажа: городской (изображающий вид города), архитектурный (изображающий архитектурные сооружения), марина (изображения моря).
Как самостоятельный жанр пейзаж возник в Китае в VII веке. В европейской живописи развивается с XVI века – до этого природа изображалась только как фон на исторических полотнах и портретах.
Новым этапом в развитии пейзажной живописи стал пленэр (открытый воздух). Художники вышли из своих мастерских и начали работать в поле, в лесу, на городских улицах. Природа на их полотнах ожила. 

В 1688 г. Томас Хереманс – голландский художник-пейзажист Золотого века – написал картиру «Лето». Внимательно рассмотри и сравни этот пейзаж с зимним. Чем они похожи?

Лето
Зима

Существует версия, что на картине изображён Харлем – родной город художника. Однако вполне возможно, что пейзаж объединяет черты всех голландских городов. 


Если быть внимательным к деталям, изображённым на произведениях искусства, можно многое узнать о времени, в котором они были созданы, таким образом заглянув в историю!

Истории у мольберта

Чеховское слово


И раз уж мы говорим о пейзаже…
Антон Павлович Чехов, друживший с Исааком Левитаном – одним из лучших русских пейзажистов – придумал слово «левитанистый» и употреблял его очень метко.
«Природа здесь гораздо левитанистее, чем у вас» писал он в одном из писем. Даже картины самого Левитана, с точки зрения Чехова, различались – одни были более левитанистыми, другие менее.
Вначале это казалось шуткой, но со временем стало ясно, что в весёлом чеховском слове заключён точный смысл – оно выражало то особое обаяние пейзажа Средней России, которое из всех тогдашних художников передавать на полотне умел только Левитан. 

Левитан. Золотая осень.


Список источников:
По материалам журналов «Рюкзачок» и «Детская энциклопедия»


Приятного чтения!

Комментариев нет:

Отправить комментарий